Comment une stratège japonaise a transformé l’art occidental
« Ma célébrité est la manifestation la plus forte de ma volonté. Je veux imposer ma volonté sur tout ce qui m’entoure » – cette déclaration de Yayoi Kusama révèle la nature d’une artiste dont la perception a souvent été incomplète.
À 95 ans, celle que l’on décrit fréquemment comme une créatrice fragile, marquée par ses hallucinations, est en réalité une des stratèges les plus efficaces de l’art contemporain.
Une formation classique marquée par le trauma
Née en 1929 dans une famille bourgeoise de Matsumoto, Kusama a eu un parcours scolaire et universitaire conventionnel. Cependant, sa vie familiale était d’une violence rare, ce qui a probablement contribué à forger sa détermination.
Le foyer Kusama était le cadre d’un mariage arrangé, ainsi qu’il était courant à l’époque au Japon, et encore de nos jours. Son père, ayant dû prendre le nom de sa femme pour intégrer cette famille aisée, multipliait les relations extraconjugales. Cette situation, et certainement d’autres facteurs, conduisirent la mère de Yayoi à des comportements hystériques dont sa fille était victime, violence verbale et physique, harcèlement, et autres mauvais traitements constituaient le quotidien de la petite fille.
La violence maternelle allait jusqu’à contraindre sa fille à espionner les infidélités paternelles. Cette exposition précoce et perverse au sexe, sous la contrainte d’une mère abusive ont engendré chez Yayoi Kusama une aversion profonde pour le sexe et le corps masculin.
À l’âge de 10 ans, les hallucinations ont commencé. « Un jour, après avoir vu, sur la table, la nappe au motif de fleurettes rouges, j’ai porté mon regard vers le plafond. Là, partout, s’étendaient les formes des fleurettes rouges. Toute la pièce, tout mon corps, tout l’univers en étaient pleins ».
Le diagnostic médical officiel a été établi quand le Dr. Shiho Nishimaru a présenté une étude lors d’une conférence psychiatrique : « Genius Woman Artist With Schizophrenic Tendency ». Les spécialistes continuent néanmoins de débattre sur l’état psychique de Kusama , en diagnostiquant cependant des troubles bipolaires avec symptômes psychotiques, TOC et schizophrénie.
Contre toute attente, Kusama a fait dans cette pathologie un avantage créatif ou tout du moins un exutoire cathartique. Ainsi quand sa mère détruisait ses dessins la petite Yayoi redoublait d’énergie et de créativité. Inutile de digresser sur la part sublimatoire et pulsionnelle, de la transformation de sa souffrance neurologique en une technique artistique distinctive. Elle est évidente !
New York : la conquête méthodique
Kusama et O’Keeffe
Le voyage de Yayoi Kusama aux États-Unis, qui constitue un tournant décisif dans sa carrière artistique, fut amorcé par un échange audacieux et déterminant. En 1955, alors qu’elle résidait encore au Japon, Kusama, mue par une ambition farouche et une confiance inébranlable en ses capacités, entreprit d’écrire à l’une des figures majeures de l’art américain de l’époque, Georgia O’Keeffe.
Dans ces lettres, Kusama ne se contenta pas de simples salutations ; elle y inclut des descriptions de ses propres œuvres et, plus significatif encore, des dessins originaux. Cet envoi intrépide, témoignant de son désir ardent de reconnaissance internationale, était une prise de risque calculée. Elle espérait ainsi capter l’attention d’O’Keeffe, dont la réputation et l’influence auraient pu lui ouvrir les portes du monde de l’art occidental.
La réaction de Georgia O’Keeffe fut, de manière tout à fait inattendue, à la hauteur des espérances de Kusama. Impressionnée par l’originalité et la puissance expressive des dessins, ainsi que par la détermination manifeste de la jeune artiste, O’Keeffe lui répondit. Dans sa lettre, elle ne se contenta pas d’encourager Kusama ; elle lui conseilla explicitement de venir à New York, reconnaissant le potentiel et la singularité de son art.
Ce conseil fut le catalyseur qui précipita le départ de Kusama pour les États-Unis. La bénédiction d’une artiste aussi respectée que O’Keeffe valida non seulement son talent, mais lui donna également la confiance nécessaire pour franchir le pas, laissant derrière elle le Japon pour se plonger dans le bouillonnement artistique de New York. Cette correspondance initiale fut donc bien plus qu’un simple échange de lettres ; elle fut le prélude à une carrière internationale exceptionnelle, marquant le début de l’ascension de Yayoi Kusama sur la scène artistique mondiale.
Arrivée à New-York
L’arrivée de Kusama à New York en 1958 n’a donc pas été une « fuite » mais un projet de conquête planifié. Avec de modestes moyens, mais un culot rare, elle s’est positionnée comme une investisseuse misant sur son seul bien : le talent. Rien pour autant de si extraordinaire, New York était alors la Mecque des jeunes artistes. Autant de Rastignac affamés de reconnaissance. Une jeune femme, qui plus est, asiatique, qui se mêle à cette meute bigarrée, c’était déjà plus remarquable.
Moins d’un an après son installation dans la métropole américaine, Kusama réussit néanmoins l’exploit d’obtenir sa première exposition individuelle. Cette réalisation professionnelle fulgurante témoignait de l’impact immédiat et de la singularité de son œuvre.
Son approche ne laissait rien au hasard : elle avait minutieusement ciblé les critiques d’art les plus influents de la scène new-yorkaise.
Parmi eux, Donald Judd, figure emblématique de l’art minimaliste, a rapidement acquis une de ses célèbres Infinity Net. Cette acquisition n’était pas le fruit du hasard ou d’une simple coïncidence ; elle résultait d’une stratégie délibérée de Kusama qui, pour maximiser ses chances, s’était stratégiquement installée dans le même immeuble que Judd.
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Cette proximité géographique lui permit de tisser des liens et de s’assurer une visibilité cruciale auprès des acteurs clés du monde de l’art. Son installation calculée n’était qu’un aspect de sa méthode pour s’assurer une reconnaissance rapide et durable.
La pionnière systématiquement plagiée
Yayoi Kusama n’était pas en marge de l’avant-garde new-yorkaise ; elle en était un des moteurs. Des figures majeures du Pop Art ont puisé, sans la moindre vergogne, dans ses innovations.
Son influence était si profonde que plusieurs figures majeures du Pop Art, mouvement qui allait définir une décennie, ont puisé directement dans ses créations conceptuelles et esthétiques.
Les « infinity nets », sculptures molles et les environnements immersifs de Kusama ont ouvert des voies nouvelles pour l’expression artistique, défiant les conventions établies et repoussant les limites de ce qui était considéré comme de l’art.
Les œuvres de l’artiste japonaise, caractérisées par la répétition obsessionnelle et l’accumulation, ont jeté les bases d’une exploration de la perception, de l’espace et du soi, qui a résonné bien au-delà de son propre travail, imprégnant les créations d’autres artistes de premier plan de son époque.
En 1962, Kusama a présenté son concept de papier peint sérigraphique avec « Aggregation: One Thousand Boats Show ». Warhol a visité l’exposition et a reconnu l’originalité de cette idée.
Quatre années plus tard Andy Warhol lance son « Cow Wallpaper » sans mentionner Kusama. Le MoMA indique aujourd’hui que l’idée de Kusama a, en effet, précédé celle de Warhol de quatre ans.
Un scénario similaire s’est produit avec Claes Oldenburg, qui a « découvert » les sculptures molles après Kusama. L’explication réside dans le sexisme et la probable xénophobie latente.
Dans l’Amérique des années 60, une femme japonaise pouvait innover, mais la reconnaissance et la fortune revenaient aux hommes, blancs de préférence.
Le retour au Japon
En 1973, Yayoi Kusama retourne au Japon. Elle est mentalement épuisée par son intense carrière artistique à New York.
Après quinze années dans la scène avant-gardiste new-yorkaise, avec des performances et happenings provocateurs, elle choisit de se retirer progressivement de la vie publique.
Ce retour au Japon s’inscrit dans une phase de recentrage sur sa santé mentale tout en continuant à créer, notamment dans le domaine de la mode et des arts visuels. Ce choix fut aussi marqué par un besoin d’apaisement après une vie professionnelle intense et parfois troublante.
Le retour de Kusama au Japon en 1973 fut donc marqué par une période de grande fragilité, contrastant fortement avec sa conquête new-yorkaise. En outre, confrontée à l’indifférence du public japonais pour son art performatif et provocateur, elle subit un rejet qui la plongea dans une détresse intense.
Ces difficultés émotionnelles culminèrent lors de deux tentatives de suicide, qui témoignent de l’isolement et du désespoir de Kusama.
En 1977, dans un acte de lucidité surprenant, Kusama choisit de s’installer volontairement à l’hôpital psychiatrique Seiwa de Tokyo.
Cette décision lui permit de trouver un cadre stable et protecteur, où elle put canaliser ses troubles et ses visions dans une œuvre d’une productivité renouvelée, faisant de l’hôpital son atelier et son refuge créatif jusqu’à aujourd’hui.
L’entrepreneure visionnaire : un empire de 80,9 millions de dollars
Parallèlement à son activité artistique, Kusama a développé un empire économique. En 2023, les ventes aux enchères de ses œuvres ont atteint 80,9 millions de dollars, faisant d’elle l’artiste contemporaine la plus vendue au monde, devant David Hockney (50,3 millions).
Dès 1969, elle a fondé « Kusama Enterprises », une initiative pionnière dans le branding artistique. Des décennies avant les collaborations entre artistes et marques de luxe, elle a ouvert une boutique sur la VIe Avenue, vendu chez Bloomingdale’s et lancé le magazine « Kusama Orgy ».
L’empire Kusama repose sur une structure juridique élaborée : Yayoi Kusama Studio Inc. gère la production, la propriété intellectuelle et les licences. La Fondation Yayoi Kusama (janvier 2017) et son Musée (octobre 2017) représentent une stratégie visant à séparer les activités commerciales de la préservation patrimoniale.En somme, un réseau mondial sans bureaux
Kusama a innové dans sa présence internationale en évitant le modèle corporatif traditionnel. Elle s’appuie sur un réseau de méga-galeries (David Zwirner, Victoria Miro, Ota Fine Arts) qui fonctionnent comme des branches commerciales mondiales.
Sa stratégie combine trois piliers : commercial (galeries), institutionnel (expositions muséales) et culturel (collaborations avec Louis Vuitton). En 2023, 80 % de ses ventes aux enchères ont eu lieu à Hong Kong, en concomitance avec sa rétrospective au musée M+ – un prallélisme, d’une redoutable efficacité, entre la validation institutionnelle et le succès commercial.
L’hôpital psychiatrique comme laboratoire optimisé
Le choix de s’installer volontairement à l’hôpital psychiatrique Seiwa en 1977 révèle une intelligence stratégique.
Contrairement à l’idée d’un « refuge de malade », cet hôpital est devenu son laboratoire créatif : la vie quotidienne est prise en charge, l’atelier est à proximité, et l’isolement des contraintes sociales est assuré. Kusama a créé les conditions propices à une productivité artistique maximale.
Son équipe d’assistants facilite sa vision sans la dénaturer. Ses hallucinations ne sont plus simplement subies, elle s’efforce de les détourner au mieux. Elle collabore avec elles. Ses obsessions deviennent une technique artistique, et sa différence neurologique un avantage concurrentiel.La revanche de l’histoire
Aujourd’hui, Kusama connaît une reconnaissance. Ceux qui l’ont plagiée dans les années 60 sont éclipsés par sa domination économique. Ses collaborations avec Louis Vuitton génèrent des sommes importantes. Ses Infinity Mirror Rooms attirent de longues files d’attente, transformant chaque exposition en un événement économique majeur.
« Je veux imposer ma volonté sur tout ce qui m’entoure. C’est pourquoi il est satisfaisant de recouvrir tout de mes pois » – elle n’a pas seulement créé un style, elle a conquis l’imaginaire collectif et le marché mondial.
Yayoi Kusama pois et complexité
Ainsi se révèle une Kusama autrement plus complexe que les récits habituels ne le suggèrent. Ses traumatismes d’enfance sont réels, ses hallucinations avérées, ses souffrances indéniables. Cependant, cette réalité coexiste avec une intelligence stratégique et une compréhension des mécanismes du marché de l’art.
Les faits indiquent : 80,9 millions de dollars de ventes en 2023, une structure d’entreprise de Kusama Enterprises (1969) à la Fondation (2017), et un réseau mondial orchestré avec précision. Ces succès ne diminuent ni l’authenticité de son art ni la réalité de ses troubles – ils montrent comment une créatrice a transformé sa différence neurologique en un avantage artistique.
Le monde de l’art préfère souvent les légendes du génie tourmenté à l’analyse des stratégies commerciales. Mais reconnaître l’intelligence économique de Kusama n’enlève rien à son talent – cela met en lumière la capacité de certains créateurs à transformer une marginalité subie en une singularité recherchée.
Sa trajectoire suggère que l’opposition entre « vraie artiste » et « femme d’affaires avisée » est un faux débat. Kusama a su faire de ses obsessions compulsives une esthétique mondiale, de ses phobies une iconographie, et de son isolement un laboratoire.
« Mon art et ma vie sont un seul poème d’amour dédié à l’humanité » – un poème né de la douleur, nourri par l’obsession, mais aussi structuré par une lucidité entrepreneuriale. Ses troubles mentaux ne l’ont pas empêchée d’être une femme de tête – ils ont peut-être contribué à aiguiser cette intelligence qui distingue les créateurs durables des météores artistiques.
Yayoi Kusama continue de créer depuis son hôpital psychiatrique de Tokyo, dirigeant un empire artistique mondial depuis sa chambre de 20m². C’est la victoire d’une stratège qui a fait du monde entier son royaume aux pois.
Yayoi Kusama
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Yayoi Kusama : 15 éclats d’une vie à pois
Des pois iconiques de Yayoi Kusama à ses citrouilles hypnotiques, découvrez 15 facettes d’une créatrice hors norme, pionnière audacieuse et reine du marché de l’art.
1. La Révélation des Pois
« Notre terre n’est qu’un pois parmi des millions d’étoiles. » Enfant, Yayoi a une hallucination : des fleurs se multiplient à l’infini. Loin de la terrifier, cette vision devient la matrice de son art. Le pois, motif récurrent, représente pour elle à la fois la cellule, le soleil, la lune et notre place dans l’univers. Une obsession devenue sa signature planétaire.
2. L’Art comme Survie
« Sans l’art, je me serais suicidée depuis longtemps. » Pour Kusama, la création est une thérapie. Depuis l’âge de 10 ans, elle lutte contre des troubles psychiques. Peindre et sculpter ses visions obsessionnelles est sa manière de ne pas sombrer, de « guérir de sa maladie ». Un exutoire vital qui a donné naissance à une œuvre d’une puissance inouïe.
3. Maman, je serai artiste !
Sa vocation naît dans le conflit. Sa mère, farouchement opposée à ses ambitions, déchire ses dessins et la pousse à un mariage arrangé. En réaction, la jeune Yayoi redouble de créativité, peignant la nuit en cachette. Cette opposition maternelle forgera son caractère et sa détermination à s’imposer, loin des conventions familiales.
4. Le culot de la Biennale
En 1966, non invitée à la Biennale de Venise, Kusama s’incruste ! Elle installe 1500 sphères miroitantes sur la pelouse, créant son « Jardin de Narcisse ». Vêtue d’un kimono doré, elle vend chaque boule pour 2$, tournant en dérision le marché de l’art. Un coup d’éclat qui la propulse sur la scène internationale.
5. La Reine des « Happenings »
New York, années 60. Kusama devient une figure de la contre-culture. Elle organise des « happenings » spectaculaires, peignant des corps nus de ses pois iconiques dans des lieux publics, de Wall Street au MoMA. Ces performances, souvent interrompues par la police, sont des actes de protestation et une célébration de l’amour libre.
6. Plus Fort qu’Andy Warhol ?
Installée à New York avant Warhol, Kusama influence le mouvement Pop Art. La légende dit qu’Andy, impressionné par son installation de phallus en tissu et son idée de répétition, s’en serait inspiré pour sa propre série des « Cow Wallpaper ». Une pionnière souvent oubliée des manuels d’histoire de l’art.
7. L’Amour Platonique de Joseph Cornell
Sa relation la plus intense fut avec l’artiste Joseph Cornell, de 26 ans son aîné. Une passion purement platonique, faite de longues conversations et de poèmes enflammés. Cornell, reclus et surprotégé par sa mère, l’appelait des dizaines de fois par jour. Une histoire d’amour hors norme, à l’image de son art.
8. La Folie des « Infinity Rooms »
Entrez dans l’infini ! Ses « Infinity Mirror Rooms » sont des installations immersives au succès phénoménal. Grâce à des jeux de miroirs et de lumières, le visiteur se perd dans un cosmos sans fin de pois ou de lanternes. Ces expériences sensorielles uniques créent des files d’attente monstres devant les musées du monde entier.
9. La Citrouille, son Alter Ego
Pourquoi des citrouilles ? Ce motif, tout aussi célèbre que ses pois, est un souvenir d’enfance réconfortant. La ferme de ses parents en était remplie. Pour Kusama, la citrouille est un symbole de solidité et de réconfort. Elle la voit comme une sorte d’alter ego, à la fois charmant et un peu comique.
10. Une Artiste qui vaut de l’Or
Kusama est l’artiste femme vivante la plus chère au monde. En 2022, une de ses toiles « Infinity Nets » a atteint 10,5 millions de dollars. Ses œuvres s’arrachent aux enchères, prouvant que sa vision obsessionnelle a conquis le sommet du marché de l’art. Investir dans un pois n’a jamais été aussi rentable.
11. Le Luxe se met aux Pois
Son univers a séduit les plus grandes marques. En 2012, puis en 2023, elle collabore avec Louis Vuitton pour des collections mondiales. Sacs, vêtements, vitrines… ses pois et ses citrouilles envahissent l’univers du luxe, faisant d’elle une icône pop planétaire bien au-delà des cercles artistiques.
12. Un Musée à sa Gloire
Consécration ultime : Yayoi Kusama possède son propre musée à Tokyo, ouvert en 2017. Entièrement dédié à son œuvre, le bâtiment de cinq étages présente ses créations les plus récentes et des installations emblématiques. Une manière pour elle de maîtriser son héritage et de partager sa vision unique avec le plus grand nombre.
13. La Vie en Hôpital Psychiatrique
Depuis 1977, Kusama vit, de son plein gré, dans un hôpital psychiatrique à Tokyo. Chaque jour, elle se rend à son studio, situé juste en face, pour y travailler sans relâche. Cet équilibre de vie lui permet de canaliser ses obsessions et de continuer à créer avec une énergie débordante, même à plus de 90 ans.
14. L’Art du Second Marché
Sur le second marché, même ses produits dérivés s’envolent. Une simple sculpture en résine de citrouille « Naoshima » peut se vendre plusieurs milliers d’euros, bien plus que son prix initial. Les lithographies et objets en édition limitée voient leur cote grimper, témoignant de l’engouement des collectionneurs.
15. Une Usine à Créer
« Je veux créer jusqu’à mon dernier souffle. » Loin de ralentir, Kusama continue de produire frénétiquement. Sa série de peintures « My Eternal Soul », débutée en 2009, compte des centaines de toiles vibrantes et colorées. Une explosion de créativité qui prouve que sa soif d’infini est loin d’être étanchée.
Citations de Yayoi Kusama
Ces citations révèlent sa philosophie, son rapport obsessionnel à l’art et sa vision unique du monde.
Sur son art et ses obsessions :
- « Sans l’art, je me serais suicidée depuis longtemps. »
- La plus célèbre de ses citations, elle résume le rôle thérapeutique et vital de la création dans sa lutte contre ses troubles psychiques.
- « Ma vie est un pois perdu parmi des milliers d’autres pois. »
- Une phrase qui illustre sa théorie de « l’auto-oblitération » : l’idée de se fondre dans l’univers pour faire disparaître l’angoisse du moi.
- « J’ai converti l’énergie négative de la maladie en une force créatrice positive. »
- Elle explique ici comment elle a transformé ses hallucinations et ses angoisses en moteur de son art.
- « Une citrouille m’interpelle par sa forme généreuse et sans prétention. C’est sa base spirituelle qui m’attire. »
- Son attachement à ce motif qui la rassure et qu’elle considère comme un alter ego humble et solide.
- « La Terre est un pois. La Lune est un pois. Le Soleil est un pois. Et nous sommes tous des pois. C’est une merveilleuse métaphore de l’infini. »
- Sa vision cosmologique où le motif du pois connecte l’individu à l’univers tout entier.
- « Je suis la sorcière moderne. »
- Une affirmation de son pouvoir, de son excentricité et de sa capacité à créer des mondes magiques et immersifs.
- « Je me bats contre la douleur, l’anxiété et la peur chaque jour, et la seule méthode que j’ai trouvée pour soulager ma maladie est de continuer à créer de l’art. »
- Une description très directe de son processus quotidien, où l’art n’est pas un choix mais une nécessité impérieuse.
- « Oubliez-vous, retournez au néant absolu. »
- Une invitation lancée au spectateur de ses Infinity Rooms, lui proposant de perdre ses repères et de s’abandonner à l’infini pour trouver la paix.
Sur sa carrière et son ambition :
- « Je voulais être plus célèbre que Georgia O’Keeffe. »
- Déclaration faite à son arrivée aux États-Unis, montrant son ambition démesurée et sa conscience de sa propre valeur, même en tant que jeune artiste japonaise inconnue.
- « Les critiques d’art et les collectionneurs étaient surtout intéressés par les artistes masculins. J’ai dû me battre. »
- Un rappel du sexisme auquel elle a dû faire face dans le milieu de l’art new-yorkais des années 60, dominé par des figures comme Warhol ou Lichtenstein.
- « J’ai offert à Warhol l’idée de la répétition. Il l’a institutionnalisée. »
- Une pique lancée à Andy Warhol, qu’elle a accusé de s’être inspiré de son travail sur l’accumulation et la répétition de motifs sans jamais lui en donner le crédit.
Paroles de son entourage
Ces témoignages offrent un aperçu plus intime de la femme derrière l’artiste.
- « Elle pouvait être très charmante, mais aussi très difficile… Elle voulait toujours être le centre de l’attention. » – Un ami de sa période new-yorkaise.
- Cette dualité est souvent mentionnée : une personnalité magnétique mais exigeante, entièrement dévouée à son statut d’artiste.
- « Notre relation était une soupe de lettres et de poèmes. C’était une passion intense, mais purement platonique. Sa mère le surveillait constamment. » – Yayoi Kusama à propos de l’artiste Joseph Cornell.
- Bien que ce soit Kusama qui parle, cette citation décrit parfaitement la nature de leur relation unique, telle que perçue par leur entourage.
- « Chaque matin, elle arrive au studio avec une détermination de fer. L’art la maintient en vie, c’est aussi simple que cela. Son emploi du temps est immuable. » – Un assistant de son studio à Tokyo.
- Ce témoignage souligne sa discipline de travail extraordinaire, même après des décennies de création et malgré son âge avancé.
- « Quand elle m’a montré ses premiers dessins, sa mère les a attrapés et les a déchirés. C’était une scène terrible. Mais cela n’a fait que renforcer sa résolution. » – Un membre de sa famille (rapporté dans sa biographie).
- Cette anecdote illustre le conflit fondateur avec sa famille, qui a agi comme un catalyseur pour sa carrière.
Le milieu de l’art sur Kusama
Regards de critiques, curateurs et artistes sur son impact et son héritage.
- « Kusama n’était pas seulement en avance sur son temps ; elle semblait opérer dans un fuseau horaire complètement différent. » – Mika Yoshitake, curatrice.
- Une manière de souligner à quel point son travail était pionnier, anticipant le Pop Art, l’art féministe et l’art immersif des décennies avant qu’ils ne deviennent des courants reconnus.
- « Elle a compris avant tout le monde le pouvoir de l’image et de l’autopromotion. Elle a fait de sa propre image une œuvre d’art, bien avant l’ère Instagram. » – Un critique d’art.
- Analyse de son génie pour le marketing de soi. Ses perruques rouges, ses vêtements à pois et sa mise en scène constante font partie intégrante de son œuvre.
- « Ses Infinity Rooms sont les œuvres d’art parfaites pour l’ère des réseaux sociaux, mais leur pouvoir est bien plus profond. Elles parlent de solitude, de mortalité et de notre place dans le cosmos. » – Jerry Saltz, critique d’art pour le New York Magazine.
- Cette citation capture la double nature de ses installations : à la fois incroyablement photogéniques et porteuses d’une charge émotionnelle et philosophique profonde.
- « Le marché de l’art l’a ignorée pendant des décennies. Son retour n’est pas seulement une mode, c’est une correction historique. » – Un galeriste.
- Met en perspective sa reconnaissance tardive. Après des années de quasi-oubli à son retour au Japon, le monde de l’art a finalement reconnu son statut de géante de l’art du XXe siècle.
- « Elle a réussi là où beaucoup ont échoué : créer un langage visuel universel. Un pois, une citrouille, un miroir… tout le monde peut comprendre et ressentir l’art de Kusama, sans avoir besoin d’un doctorat en histoire de l’art. » – Marc Glimcher, président de la Pace Gallery.
